Ethan Hunt Fury Road

La série télévisée Mission : Impossible a fait le saut vers le grand écran en 1996.
4 ans plus tard, la suite débarquera, confirmant que la Paramount, et surtout Tom Cruise, véritable maître d’œuvre de la saga censée rivaliser avec 007, veulent donner à chaque épisode une identité propre en confiant chaque film à un réalisateur différent.

2 ans après avoir appréhendé Solomon Lane, le dangereux chef de l’organisation terroriste Le Syndicat, Ethan Hunt se voit confier la mission d’empêcher une nouvelle entité, Les Apôtres, de mettre la main sur 3 réserves de plutonium.
Les Apôtres sont tout ce qu’il reste du Syndicat, dont la tête n’a pas été tranchée mais enfermée. En l’absence de leur « gourou » ( Solomon Lane n’est autre qu’un James Bond qui deviendrait un Blofeld non pas motivé par l’argent et le pouvoir mais pas la déstabilisation du système qui l’a créé ) , le groupe s’est radicalisé (oui, encore plus), animal blessé prêt à mordre tout ce qui bouge pour accomplir son dessein.
Alors que l’acquisition de l’élément radioactif le plus célèbre de la création devait se passer en douceur, l’opération capote et Hunt, ainsi que son équipe, se voit imposer un chien de garde de la CIA, l’agent Walker, un bourrin bourru pour qui une mission réussie est une mission qui a pris une balle dans la tête. Remontant la piste des apôtres, Hunt et Walker en viennent à (re)croiser la route d’Ilsa Faust, agente britannique et vieille connaissance de Hunt dont les objectifs ne coïncident pas forcément avec ceux des américains.

Quand, en 2015, Rogue Nation, le 5éme opus des aventures d’Ethan Hunt, sort sur les écrans, il est un peu le chouchou de l’été, seul véritable film à offrir du solide après un printemps qui nous avait tant donné ( Tomorrowland, Mad Max Fury Road ). Son réalisateur, Christopher McQuarrie ne réalise pourtant là que son 3éme film en 15 ans ( The Way of The Gun, Jack Reacher – déjà avec Tom Cruise ). Mais l’homme est avant tout un scénariste (oscarisé pour The Usual Suspects ) depuis deux décennies et script doctor attitré de Cruise depuis leur rencontre sur le tournage de Valkyrie. Il a retouché les scripts de Ghost Protocol et d’Edge of Tomorrow.
Le film, véritable thriller noir nimbé de l’ombre d’Alfred Hitchcock et de Casablanca{1} joue plus sur la tension que l’action et distille un romantisme à fleur de peau en introduisant l’agente Ilsa Faust jouée par Rebecca Ferguson.
Enchaînés dans une suite d’événements qui les rapprochent, Ethan et Ilsa se séparent non sur un langoureux baiser mais sur une étreinte et des regards plein de non-dits.
Ethan aurait-il trouvé sa Catwoman, son Irène Adler ? La porte restait ouverte pour qui prendrait la relève si l’envie lui en prenait.

Devant le nombre de critiques positives, McQuarrie se fend d’un commentaire, souhaitant bonne chance à celui qui réaliserait le 6éme opus. Le karma étant joueur , McQuarrie se retrouve à se succéder à lui-même, une première dans la saga. Mais désireux de continuer la tradition du «  un épisode différent du précédent », il se lance dans l’écriture d’un script aux antipodes de Rogue Nation. Il change également, au passage : de directeur photo, de compositeur et de responsable des costumes. Fallout aura une autre identité que simple suite à Rogue Nation, il doit être unique et appréhendable par tous…à la différence de Spectre qui tentait de lier tous les films de James Bond/Daniel Craig entre eux.
Si Rogue Nation était élégant et noir, misant sur la tension et le suspense plus que sur l’action pure, Fallout en sera l’opposé. Prenant le risque de caresser dans le sens inverse du poil les amoureux du précédent film. Fallout perd donc en pedigree racé ce qu’il gagne en punch et énergie destructrice.

Débutant par Ethan Hunt se réveillant dans une planque grande comme un hangar , au milieu de la nuit et profitant d’une lampe à chaleur, le films se termine sur le même Ethan Hunt, allongé, de jour, entouré de chaleur humaine. Pour aller du point de départ froid et ténébreux à la ligne d’arrivée chaude et ensoleillée, Hunt va traverser un chemin de croix digne des plus grandes épopées.
Qu’il reçoive son ordre de mission planqué dans un exemplaire de l’Odyssée d’Homère n’est pas anodin. Car c’est ce qui l’attend : la passion du Christ-sauveur à la sauce 12 travaux d'Hercule en 24 heures chrono.
En se comportant dès les premières minutes comme un héros prêt à risquer sa vie plutôt que de laisser un ami en danger, Hunt enclenche un engrenage qui peut se révéler mortel à chaque coin de rue. Et tels les protagonistes mythologiques, ses songes contiennent en substance des messages prémonitoires du danger auquel il va faire face.
McQuarrie nous refait un peu le coup de Rogue Nation : reprendre un élément boursouflé par John Woo dans  M :I – 2 ( la référence au film Les enchaînés, pour RN ) pour le sublimer ici.
La création d’un héros et son ancrage mythologique dans ses apports antiques avait été l'apport de Woo, il sera l'exploration,par l'exploit, pour McQuarrie.
Ainsi, Hunt n’est-il pas la liberté païenne face à une organisation qui se fait appeler Les Apôtres, avec la symbolique de ce que peut représenter de dangereux les dogmes les plus absolus et leur désir pathologique de régenter le monde et les vies de ses habitants ?

Alors que Hunt pousse sa logique et ses motivations dans leurs retranchements, fournissant un héros désormais aussi épais que Jack Bauer dans ses valeurs et ses méthodes souvent à la limite du bon sens mais accomplies au travers de la pugnacité sans limite du héros, Faust se dévoile encore une fois comme le cœur palpitant du film, le centre de gravité émotionnel du long-métrage. Chaque regard de Rebecca Ferguson devant s’opposer à Hunt est tour à tour déchirant ( « Please don’t make me go through you » ) et rempli de détermination à accomplir sa mission. Une détermination au moins égale à celle de Hunt , qui l’enjoint à ne pas se mêler de cette affaire. Les deux personnages avancent en sachant que chaque action peut être un coup porté à une personne chère et doivent composer avec leur sens absolu du devoir envers leur nation et l’absolue nécessité de se couvrir l’un l’autre.

Ilsa, un peu en retrait au début du film, sort de plus en plus de l’ombre, prenant une place capitale dans l’intrigue. Si le romantisme de Rogue Nation n’est plus à fleur de peau , il dirige pourtant les actions tant de Faust que de Hunt (la caméra ne filme plus Rebecca Ferguson amoureusement, comme c'était le cas dans Rogue Nation, ses habits, bien que d'une grande classe, ne la font plus autant sortir du lot et la musique de Lorne Balfe -pompant allègrement les OST de The Dark Knight et Inception - ne rivalise jamais avec la beauté classique de la composition de Joe Kraemer et son utilisation de Nessun Dorma de Puccini comme thème musicale pour Ilsa.).
Alors que l’ex-femme de ce dernier réapparaît, Faust découvre des facettes qu’elle n’avait que devinées à propos d’Ethan. Les deux femmes ne feront que se croiser quelques secondes. Quelques secondes qui suffiront à laisser l’émotion, subtile , se glisser dans une scène où quelques mots seront échangés, murmurés à l’oreille de l’une par l’autre sans que le spectateur ne distinguent ce qui se dit.

Fait étonnant, un troisième personnage féminin fait son apparition et arrive à tirer son épingle du jeu déja bien chargé dans la vie sentimentale du héros : La Veuve Blanche, sorte de clin d'oeil à la Veuve Noire de Marvel.
La noire est une espionne assassin, la blanche traître avec espions et assassins pour vendre des armes. Deux faces d'une même pièces ?
Elle est incarnée par Vanessa Kirby qui joue parfaitement les personnages froid et distants avant de faire passer en un claquement de doigts sur son visage que Hunt l'attire de par ses capacités physiques guerrières et intellectuelles. Le personnage est ambigu dans ses ambitions et ses intentions et il serait dommage de se priver de la revoir ultérieurement.
Et puisque Fallout crée un précédent ( faire revenir des personnages féminins venus d'autres films de la saga, il n'est pas interdit de penser que La Veuve puisse revenir...ou encore Nyah de M:I-2 ou bien l'agent Carter incarnée par Paula Patton dans Ghost Protocol ).

Rogue Nation faisait naître l’action de son histoire. Lancé à toutes berzingues, Fallout fait naître son histoire de son action et que Hunt soit presque toujours en mouvement, le poussant à improviser sur le moment, est une illustration totale de cet état de fait.Le tout reste pourtant passionnant dans son déroulement et ses rebondissements.
Et surtout, McQuarrie n’en oublie jamais de creuser tous ses autres personnages.
Benji, toujours campé par Simon Pegg gagne en assurance comme agent de terrain, Luther, l’allié de la première heure se montre être un grand sensible qui le cache bien. Quant à l’agent Walker, incarné par Henry Cavill ( Clark Kent ) , il est loin d’être un simple monolithe de muscle. Cavill , pourtant plus habitué aux rôles de bon gars, transpire d’une vindicte et d’une sorte de sadisme malsain ( un aspect à peine esquissé lors de Justice League quand Superman revenait à la vie un peu désorienté mais totalement conscient de ses capacités ) , le genre de personnage que l’on adore détester et qui donne une identité forte au film.

Un film qui se fait plus avare en références classiques ( à peine un petit clin d’œil à Orson Welles lors de la scène dans la boîte de nuit – La dame de Shanghai n’est pas loin ) mais pas en références récentes. Tout aussi old school dans son envie de présenter le plus de réalisme possible sans artifices en images de synthèse, Fallout prend des airs de Heat et de The Dark Knight (Rises) montés sur le rythme de Mad Max Fury Road.
C'est que là où le critique de base avait crû déceler du Nolan dans Skyfall (non, du tout ) c'est bien ici que les apports de Christopher (Nolan) ont été intériorisés par un autre Christopher (McQuarrie). Comment ne pas lire les ennemis de Hunt comme des versions " monde de l'espionnage " du Joker ( Solomon Lane, anarchiste, quand il tenait plus d'un Ra's Al Ghul dans le précédent opus ) et le Bane ( la force physique absolue ) de cette histoire ? Des agents en guerre contre des institutions qu'ils considèrent pourries ? McQuarrie n'est peut-être pas un auteur au sens noble du terme mais il sait où puiser ses influences et les infuser avec talent dans son histoire.
Ilsa, plus Selina Kyle que jamais vient enfoncer le clou.

C'est que Fallout peut être vu comme le véritable 3éme acte de Rogue Nation et, à ce titre ,le film dans son ensemble est donc une sorte de climax géant. C'est ici que tout se résout : les ambitions du Syndicat, les relations entre les personnages,etc...
Bien que tout à fait regardable en tant qu'épisode indépendant ( notamment de par ses rappels verbaux d'éléments présents dans les autres épisodes ), Fallout ne s'apprécie vraiment dans le détail que si l'on a le 5ème volet en tête ( et un peu le 3ème aussi  d'ailleurs ).

Nolan et Miller ont toujours voulu tourné le plus possible sans fonds verts ou ajouts digitaux ( The Dark Knight est bourrés de séquences tournées en maquettes à l’échelle ¼ ) et McQuarrie se situe sur cette lancée. Et ça tombe bien, pas sûr que Tom Cruise apprécierait se faire double par un programme informatique. C’est également l’un des gros plaisirs de la saga, cette certitude pour le spectateur de ressentir le bigger than life cruisien. Ô certes, on efface bien quelques câbles de ci de là mais la caméra capture un maximum de moments exécutés par la star (et par ses co-stars de plus en plus : Fergusson arguant que si Cruise le fait, elle peut le faire aussi ! ).

Une double course-poursuite parisienne (où Cruise s’essaye à la langue française – à voir en VO donc )  en voiture et à moto, un halo jump effectué en live (et capturé par un cameraman qui n’a pas froid aux yeux ) jusqu’à des cascades dans un hélicoptère que Cruise pilote vraiment ( devant d’ailleurs gérer son vol ET les angles de la caméra embarquée sur l’engin ).

Les images sont à couper le souffle et donnent le vertige de par la grandeur des évènements et non le mal de mer trop souvent ressenti par l’utilisation simpliste d’une caméra à l’épaule ballottée dans tous les sens pour tenter de donner du rythme et de la fougue à l’image. Fallout prouve que des plans lisibles, bien cadrés et bien montés font bien plus le job qu’un Paul Greengrass en roue libre sur le dernier Jason Bourne.

S’accrocher à son siège, avoir réellement la trouille pour le destin de tel ou tel personnage attachant, en prendre plein les yeux et le cœur , telle est la mission que je vous enjoins à accepter.
Fallout est une montagne russe de 2h30, une durée qui ne fera pas mentir Einstein et son célèbre «  Le temps est relatif »  qui laisse crevé et lessivé.
Et qui nous appelle à aller refaire un tour une fois sorti.
La marque de la redoutable efficacité.
Mission accomplie, mission réussie !


{1} Le nom Ilsa Faust est porteur de sens. Si Faust renvoie bien sûr au personnage qui pactise avec le Diable ( ce que fait Ilsa en infiltrant le Syndicat pour le compte du MI6 ), Ilsa est plus subtile.
Rogue Nation se passe en partie à Casablanca, le célèbre film avec Bogart et Ingrid Bergman.
Bergman et Ferguson sont toutes deux suédoises. Et comment se nommait le personnage de Bergman dans Casablanca déja ? Ilsa, bien entendu. Oui oui, tout se recoupe mes loulous. Bergman qui jouait également dans Les enchaînés....Tout est lié !

Vol au-dessus d'un nid de doudous.

Parce qu'il sort en DVD,Blu-ray et 4K UHD dans deux semaines, retour sur le dernier film en date du grand Steven Spielberg, le barbu le plus divin d'Hollywood.

ARTICLE INITIALEMENT PARU LE 4/04/2018 
Initialement prévu pour sortir en décembre 2017, Ready Player One, le nouveau film de Steven Spielberg, ne déboule dans nos salles qu’en cette fin du mois de Mars. Pourquoi ? Parce que The Last Jedi a vu sa sortie décalée et que, pas fous, la Warner et le grand barbu n’ont pas voulu jouer contre le phénomène Star Wars ( parait-il que même James Cameron et son Avatar ne tenteront pas le coup, on a la Force ou on ne l’a pas ).

Les plus attentifs d’entre vous auront remarqué qu’il s’agit du second film du maître à sortir cette année ( nous ne sommes qu’en MARS !!!! ) , puisque The Post était sorti il y a deux mois (mais avait pourtant été tourné APRÈS Ready Player One.
Ça va, vous suivez toujours ? ) .





Nous sommes en 2045 ( détail amusant, Minority Report se situait en 2054 ) , l’économie s’est effondrée ( tu m’étonnes ).
Les populations les plus défavorisées vivent dans les banlieues des grandes villes dans ce que l’on nomme « les piles » : des amas de caravanes empaquetées les unes sur les autres. Les gens vivent donc littéralement les uns sur les autres dans un monde surpeuplé.

Pour supporter leurs vies misérables, la majeur partie de la populace se connecte à l’OASIS, une simulation virtuelle interactive, sorte de MMO géant ayant remplacé les réseaux sociaux.
L’OASIS a été conçu par James Halliday , le cliché du geek sympa et brillant.
Hors, monsieur Halliday est mort sans héritier. Alors il a conçu un concours : 3 challenges monstrueux qui mènent à un Œuf de Pâques .
Et il a fait en sorte que personne ne veuille poser un lapin !

Celui ou celle qui mettra la main sur l’œuf héritera de 500 millions de $ et aura le contrôle total de l’OASIS. Des millions de joueurs tentent leur chance. Parmi eux, les Sixers, des joueurs anonymes payés par l’IOI, une société ayant pour but avoué de rendre payant et de saturer de pub le monde virtuel d’Halliday (non, pas Johnny, James ! Faites au moins semblant de suivre un peu ! ) et dirigée par Nolan Sorrento. Sans parler des idées cachées de cet homme vil et pleutre qui devrait faire réfléchir les spectateurs sur la neutralité du net.
Entre les amateurs et les pros, comme dirait la France en 39 , la guerre est déclarée.

Ready Player One est tout d’abord un roman d’Ernest Cline.
Littérature « young adult » relativement fun mais peu riche en littérature justement.
Le héros est un geek/nerd assez lambda qui pourrait tout aussi bien vivre de nos jours tant sa façon de penser et ses références pop-culturelles sont celles des geeks d’aujourd’hui. Pire, Wade, le héros, est présenté comme un stalker un peu bas du front à la maturité sentimentale & sexuelle d'un adolescent de 13 ans. un Fifty shdes of geek total et absolu.
Et les références, elles sont à ramasser à la pelle.  Le roman est un véritable name-dropping de personnes, personnages et œuvres venues de tous les supports possibles. Impossible de ne pas se dire «  Hé, mais je connais ça, c’est cool ». L’auteur crée une connivence avec son lecteur sur base de quelques goûts communs. La marque des faibles.
Mais il reste le concept de base. Et c’est ça qui intéresse Spielberg ! Le squelette du roman et du film sont les mêmes. Mais le corps est tout à fait différent. (Ouf. Le film coupe à la machette dans les côtés vraiment malaisants du personnage principal dont les aspects petit connard creepy donnaient envie de le dénoncer aux flics toutes les 15 pages.)
Et ce film est un pur produit Spielbergien. Warner Bros s’y attendait-ils en confiant les manettes à papy Stevy ? Peut-être pas.

Revenons un peu sur la genèse du projet voulez-vous ? ( de toute façon, vous n’avez pas le choix, c’est mon texte,na ! )

Un an avant la sortie du roman, les droits sont rachetés par Warner Bros. Une fois le livre sorti et devenu un best-seller ,les pontes de la Warner tentent d’intéresser…Christopher Nolan !
Mais lui rêve de plages françaises, dans le Nord, à Dunkerque.  (oh ça va hein, on le sait tous depuis Inception que Nono fait des rêves bizarres, jouez pas les surpris)

Et en mars 2015, c’est l’annonce atomique, ils ont choppé un Moby Dick !

Qui ,en lisant le roman, n’a pas fantasmé sur un ou l’autre réalisateur capable de capturer l’essence des images mentales que le texte plantait dans nos têtes ?
Guilermo Del Toro aurait été un choix totalement justifié et justifiable. Peter Jackson aussi. Après tout, si le studio était capable de proposer le film à Nolan, pourquoi pas à d’autres grosses pointures autant réalisateurs que auteurs ? Des personnes ayant grandi et aimé la culture pop dont Cline fait le catalogue dans son histoire ? Qui plus est, Del Toro et Jackson ont déjà bossé avec la Warner, mes poulains étaient probables.
Mais qui aurait imaginé que c’est l’un des architectes de cette culture marquante qui serait choisi et surtout intéressé ? Steven Spielberg en personne ? Je n’aurai pas misé un copeck sur son implication. Et là, le projet passe de « ça peut être sympa avec un vrai réal aux commande » à «  OH NOM DE DIEU DE BORDEL DE MERDE, DIEU S’EN CHARGE LUI-MÊME !!!!!!! »

Le film sort 3 ans ( !!!) après la signature du contrat et un peu moins de deux ans après le tournage.
Je crois me souvenir que dans le roman , l’OASIS est une simulation ultra-réaliste. Dans le film, c’est une vision en image de synthèse.
Spielberg décide de séparer les visuels des deux mondes. Tournage en pellicule pour le monde réel, tournage en performance capture ( oui comme Avatar ou Tintin ) pour le monde virtuel. Et ça ne s’arrête pas là : même la façon d’appréhender les plans est différente selon le mode de tournage ! Le monde réel est gris. Certes, les gens s’habillent de façon colorées mais tout est terne, et les cadrages sont assez serrés.
L’OASIS ? C’est la fête à la couleur, à l’ensoleillement et aux plans larges. Le monde réel semble limité quand le monde virtuel semble sans limite. Un univers entier toujours en expansion. Une métaphore peu voilée de l’Internet moderne où nos avatars sont souvent calqués sur des personnages de fictions bien connus quand il s’agit de cacher nos identités. Est-ce vraiment si étonnant de croiser tant de personnages référencés comme Batman, Batgirl, Harley Quinn ? Bien sûr que non, allez faire un tour sur twitter et admirez les photos de profils !
Comme d’habitude, Spielberg nous parle de notre présent via un prisme. Que cela soit le prisme du futur fantasmé ou du passé documenté, Steven Spielberg ne fait que ça : nous interroger sur notre présent.  Une obsession récurrente, parmi tant d’autres, qui fait de lui ce que Truffaut (et Alain Resnais tentera de le faire entrer dans pas mal de tête ) : un auteur !

Steven Spielberg , avec quelques idées simples, définit la vision des personnages de leurs environnements et par la même occasion nous les fait appréhender d’une manière différente chacun. Le procédé est fluide, comme le reste du film. Une fluidité exemplaire sur 2h20 de métrage qui ne semble jamais vraiment durer plus de 80 minutes. Pour atteindre un tel rythme et une telle fluidité, il faut penser sa réalisation avant, pendant et après le tournage ! Et le résultat final le prouve, tout cela a été fait, et bien fait !

Dès la première séquence, le ton est donné : l’on passera d’un monde à l’autre avec une facilité déconcertante. Des scènes live côtoient des séquences virtuelles ( jouées par les acteurs, c’est de la performance capture, je le répète ! ) souvent jouée à des semaines d’intervalles alors qu’elles doivent s’imbriquer comme des pièces de Tétris dans une partie qui n’accepteraient aucun trou dans l’amoncellement des pièces !  1ére étape, revoir l’histoire !
Zak Penn est engagé pour écrire le scénario en compagnie d’Ernest Cline. Pas la première fois que Spielby associe un scénariste avec l’auteur du roman ( Jurassic Park anyone ? ).

Mais Penn est une montagne russe : capable de passer d’X-men 2 à X-men l’affrontement final, d’Elektra à Incredible Hulk et ensuite Avengers.
Mais il a pour lui de sembler s’intéresser à une partie de la culture-pop et de vouloir donner du rythme. Et puis, les scénarios sont écrits ou ré-écrits sour supervision du réalisateur ( on le sait rarement mais même non-crédités, les réalisateurs peuvent avoir leur mot à dire , le scénariste bossant sous leurs ordres comme un technicien ).
Et si le scénario semble simple (mais pas simpliste !) c’est qu’il a été façonné pour que Spielberg insuffle ses réflexions par l’image. Une refonte pas complète mais suffisamment importante pour qu'un personnage inédit au roman soit créé pour les besoins du film.
Défaut de ses qualités, certains dialogues sonnent faux et les facilités scénaristiques peuvent être grosses. Mais tout ça est distillé dans le film et ne représente pas du tout l’entièreté du script.  Plus qu’un scénario, c’est la réalisation qui fait et dit le film. Et ça tombe bien : Spielberg a des choses à dire et il sait y faire.
À 71 ans, des gars comme lui, Scorsese ou George Miller hurlent aux jeunes réalisateurs, sensés être encore pleins de fougue et d’entrain «  Vous êtes des mômes paresseux , même ceux d’entre vous avec de grandes qualités ».

En moins de 15 minutes, Spielberg pose les bases de l’univers de son film et s’offre ensuite un énorme morceau de bravoure, une course de voitures folle, monstrueuse et si lisible que Speed Rarer, Mad Max Fury Road et Baby Driver sont allés au bar pour boire une bière ou deux, histoire d’encaisser. Ils sont toujours sur le podium mais une nouvelle catégorie vient d’être créée, désolé les gars. Tout le film est à l’image de ce premier quart d’heure. Que dire de plus sur la réalisation , le montage, etc…sans tomber dans l’excès ? Tout coule tellement de source , tout  est tellement réglé comme du papier à musique de qualité supérieur …
Détail qui tue : toute cette séquence de course à travers un New-York ré-organisé nous est présentée...sans musique justement.
L'un des outils les plus utilisés au cinéma pour immerger émotionnellement le spectateur n'est pas employé et la scène marche pourtant du feu de Zeus (ou de l'éclair ? Mais alors l'expression ne veut plus rien dire. Ô cruel dilemme du poète critique ) ! Dans Le pont des espions, Steven Spielberg attendait 40 minutes avant d'utiliser une seule note. Et cela fonctionne tellement bien qu'il faut un moment avant de se dire qu'il "manque" quelque chose.

Bien entendu, il y a des défauts.
Si le chef-d’œuvre est technique, les scories et les impairs achèvent de faire de Ready Player One un grand film, tout court.  Je le disais plus haut, certains dialogues sonnent faux et d’autres heureuses coïncidences sont trop grosses pour ne pas avoir été pensées en amont pour nourrir le rythme. Alors bien assis dans votre fauteuil de cinéma, ça passe. Mais à la seconde vision, difficile de ne pas trouver étrange que tout les personnages principaux se trouvent non seulement sur le même continent, mais aussi dans le même pays voir carrément la même ville.

La musique d’Alan Silvestri ( il va falloir se faire une raison, John Williams n’est pas éternel et plus aussi jeune qu’avant, il ne saura plus forcément suivre le même rythme de travail que Spielberg ) est agréable mais singe parfois un peu trop Wiliams sans l’égaler.
Dommage car l’homme est doué ( allez donc  vous refaire les B.O de Retour vers le futur, Predator, Le retour de la momie, Van Helsing, Captain America. Dans le pur divertissement, il assure ) mais un cran en dessous de ce à quoi l’on pouvait s’attendre.
Quant à la morale de l’histoire, elle semble un peu WTF compte-tenu de l’intrigue.
Et le dernier point noir, pourquoi diantre Simon Pegg et Perdita Weeks ( As above so below, Penny Dreadful ) ont-ils si peu de temps de présence à l’écran ?

Dans la zone grise, une chose étrange mais pas incongrue. L’un des thèmes spielbergiens par essence est le manque du père. Elliot dans E.T , Indy dans La dernière croisade ( et encore plus dans Le royaume du crâne de cristal ) et tant d’autres ( je ne vais pas faire un listing ) semble s’atténuer avec le temps ( A.I montrait le manque de la mère ) , Minority Report le manque d’être un père.

Les orphelins (ou presque) ont souvent eu la faveur de Steven Spielberg mais depuis quelques années, ces orphelins ne ressentent plus le besoin de trouver des figures parentales de substitution. 
Soit l’une des thématiques majeures de Spielberg passe soudain au second plan ( auquel cas il n’est plus aussi pointilleux qu’avant ) soit c’est que lui-même ne voit plus ces manques de la même façon ( rappelons que Spielberg n’a jamais caché avoir très mal vécu le divorce de ses parents : le garçon en manque de père de ses films, c’est lui ! ), ce qui semblerait dire qu’il affectionne encore ces personnages mais qu’il n’est plus en quête lui-même.
Guillermo Del Toro twittait il y a quelques temps que faire du cinéma est une thérapie. Peut-être celle de Spielberg porte-t-elle quelques fruits. Tant pis pour ses exégètes et tant mieux pour lui ?

Ainsi, Wade Watts, facette du jeune Spielberg dans ce film refléterait que le réalisateur accepte enfin d’avoir été «  abandonné » ( le mot est fort et exagéré)  sans pour autant ne pas ressentir ce besoin de s’évader dans des mondes étranges et pourtant familiers ? ( n’est-ce pas ça faire du cinéma ? )
Tye Sheridan, le nouveau Cyclope de X-Men se glisse facilement dans le rôle mais il peine un peu à faire transparaître certaines émotions. Sa prestation est tout à fait correcte mais il n’est pas encore de ces acteurs aux prestations sans doute pas oscarisables mais qui attirent la sympathie du public.

L’imagerie convoqué par tonton Stevy ,en revanche , pullule d'autres thèmes.
Et au lieu de les surligner aux gros marqueurs fluo jaunes, il laisse le spectateur faire le bilan de ce qu’il voit. Un pays à l’abandon où l’emploi est rare, les situations précaires fréquentes. Les institutions nationales sur le déclin quand la privatisation règne dans tous les milieux ( des milices privées dans les rues, des bagnes tangibles ET virtuels tenus par une grosse compagnie, l’esclavagisme légal et déguisé sous un autre nom.Des drones de surveillances ultra-perfectionnés et invasifs, sorte de pompiles géants prêt à fondre sur la proie.Certes moins inventifs que les fameux Spyders de Minority Report. Le constat toujours froidement réaliste que la pire machine à broyer l’humanité reste l’humain et non un requin fou ou quelques dinosaures revenus à la vie ).

Le capitalisme sauvage n’a jamais aussi bien porté son nom. Spielberg déteste les hommes d’affaires ( tellement flagrant dans The Lost World, tiens, un autre film roller-coster ), peut-être aussi bien parce qu’ils tiennent Hollywood entre les mains de leurs visions étriquées (oui, une vision peut avoir des mains…la preuve par Marvel ! ) que parce qu’il flirte lui-même beaucoup avec cette ligne entre l’artiste et le businessman ( il a produit les 5 Transformers, entre autres  et a survendu à la limite de l’honnêteté le premier volet).
A-t-il peur d’être un Nolan Sorrento en puissance s’il se laissait aller ? Un personnage tellement imbu de lui-même que ses initiales ornent ses nœuds de cravates et dont le désir de contrôler un univers virtuel s'exprime via son avatar qui ressemble à un un agent Smith de sorti de The Matrix; un agent que l'on aurait dopé aux hormones et autres anabolisants (oui, ça transpire la confiance en soi ).
En tout cas, Ben Mendelshon lui donne toute la fourberie et la rage du haineux frustré. L’acteur est habitué des rôles de salauds depuis The Dark Knight Rises et il est si à l’aise dans l’exercice qu’il se permet de chaque fois les jouer différemment. Espérons qu’il ne soit pas à jamais prisonnier de ce genre de rôles (mais c’est mal embarqué : il est le prochain sheriff de Nottingham ).
Lui et ses sbires sont la manifestation cinématographiques des brutes incultes prêtes à tout pour mettre la main sur un trésor inestimables et ayant besoin du cerveau des autres pour y arriver ( les Nazis dans la série des Indiana Jones , les actionnaires d'InGen dans The Lost World - décidément )

Par contre, il est très certainement James Halliday, un personnage ayant vécu un long moment en créant un univers riche et foisonnant qui cherche encore un héritier digne de ce nom ( beaucoup ont essayé et même revendiqué ce titre : M.Night Shyamalan, Les frères Duffers créateurs de Stranger Things, J.J Abrams que l’on croyait pourtant déjà adoubé ).

Quelqu’un avec un regard amoureux sur la culture-pop ( Spielberg est un grand consommateur , du cinéma en passant par les jeux vidéos – c’est un gamer reconnu ) , qui la considère non pas comme une manne ( coucou les reboots de Ghosbusters, La Momie, Robocop , Jurassic Word, etc…)  à exploiter mais comme une ressource morale et mentale , un réservoir contenant de quoi puiser de la force et de l’espoir, l’anti-boîte de Pandore !
 ( permettez-moi d’illustrer mon exemple d’une manière simpliste : j’ai tiré mon code moral de romans de capes et d’épées, des Jedi et de Batman. Bon, après, je doute que Yoda aurait été chaud pour former Bruce Wayne. J’y ai picoré et assemblé ce qui me parlait et me semblait bon ).

Hors, cette boîte à outils pop-culturelle a été alimentée par d'autres, dont certains connus personnellement par Spielby à l'instar de Stanley Kubrick ou Stephen King (et ça se prononce Steven et pas Stépeheune !!!! ) à qui il ne manque pas de rendre hommage.
Steven Spielberg retrouve pour la 3éme fois l’acteur anglais Mark Rylance après Le pont des espions et Le bon gros géant.

Oui enfin, vous n'étiez pas à sa cheville et il vient de vous enterrer.Après un tel défilé de références correctement dosées pour ne pas créer une indigestion ni le sentiment d'être pris pour un neuneu, faut-il vraiment tenter l'aventure d'une saison 3 de Stranger Things ? Surtout au vu des limites clairement exposées en saison 2 ? Laissez tomber, seul " It " a réussi à plus ou moins rivaliser pour l'instant.

Olivia Cook en Samantha/ Art3mis est convaincante mais il lui manque un petit quelque chose pour vraiment créer l’empathie avec le public. Comme pour Tye Sheridan, l’actrice joue bien et reste convaincante mais l’on a du mal à sentir le poids de sa motivation sur ses épaules. Même si le rythme du film est élevé, il est possible de donner de l’épaisseur à son personnage de manière subtile et rapide : regardez Daisy Ridley dans The Force Awakens !

Tiens , puisque l’on est dans Star Wars et les chevaliers Jedi, tonton Steven a lui aussi réalisé un film où certains archétypes sont distillés.
Commençons par le plus évident, le héros du film se fait appeler Parzival , soit l’équivalent SMS de Perceval, le chevalier de la table ronde destiné à découvrir le Graal.
Nul besoin de lui coller un roi Arthur ou un Lancelot, ces deux-là échouent dans la quête.
Il est par contre accompagné de fidèles alliés dont les avatars sont , entre autres,un ninja ( soit un être attaché à la notion de clan ) et un samouraï ( un chevalier japonais, pour rester basique de chez basique ).
Son ami Aech est une sorte d’orc robotique un peu destroy, le meilleur ami indéfectible. Et Art3mis, ma foi, voila un personnage féminin solitaire dont le nom rappelle la déesse grecque de la chasse armée d’un arc. Et Art3mis chasse surtout les Sixers.Et pourquoi elle le fait servira de catalyseur, d’allumeur du feu de la conscience politique du héros.
 Les archétypes restent assez à la surface des choses mais fonctionnent tout à fait sans avoir besoin de plusieurs couches qui viendraient les alourdir. Là encore le rythme et l’imagerie convoqués par Steven Spielberg viennent pallier à ces défauts structurels du scénario.

Ready Player One semble être une version plus lumineuse et colorée que le film Avalon ( tiens, encore une référence Arthurienne ) du réalisateur Mamoru Oshii qui voyait ses personnages échapper à une réalité austère  en plongeant dans un jeu en réalité virtuelle.

Enfin, comment ne pas admirer la facilité avec laquelle Spielberg insuffle dans son film plusieurs tropes propres aux jeux vidéos, tel Edgar Wright il y a quelques années dans Scott Pilgrim VS The World ( pas vu ? mangez-en, c'est bon ). Fait peu connu, Spielberg est un gamer de longue date et l'on sent la connaissance et l'affection du monde vidéo-ludique dans sa façon de le représenter à l'écran.

Ready Player One est donc un travail fascinant de par ses niveaux de lectures et ses références ( qui elles mêmes peuvent ouvrir la porte d’un nouveau niveau de lecture. C’est une poupée gigogne dantesque ) ainsi que par le regard posé par son auteur sur les  œuvres qui nous bercent, nous portent et réveillent en nous le meilleur pour tenir face au pire. Et en plus c’est une putain de claque, alors vous attendez quoi pour aller le voir ?